Crimson Peak (2015)

Cartel del film

Guillermo del Toro, el director mexicano, ha realizado en su último film un personalísimo ejercicio sobre lo gótico, encontrando además el pretexto narrativo para que la siniestra mansión que preside el relato a partir del segundo cuarto del mismo, supure directamente sangre (o algo viscoso muy parecido) en un cargador rojo oscuro, además del añadido de la arcilla del terreno, que propicia una eficaz metáfora visual sobre la malignidad que encierra la casa y su entorno. Los referentes son claros, Roger Corman (La caída de la casa Usher) o Sam Reimi (Posesión Infernal), etc...

La historia narra la vida de una escritora americana, Edith Cushing (Mia Wasikowska) que después de una tragedia familiar se encuentra en un dilema, elegir entre el amor de su amigo de la infancia y médico de su padre, o la tentación de un misterioso desconocido que le acaba robando el corazón, el enigmático Thomas Sharpe (Tom Hiddleston). En su intento por escapar de los fantasmas del pasado, emprende viaje con su amado a su mansión en Inglaterra, una casa que respira, sangra, rezuma... y recuerda. Allí compartirá vida con Thomas y su hermana Lucille (Jessica Chastain), que será una de las más malvadas villanas que haya visto.

Muy importante es el tema de diseño de producción y el vestuario, aquí cada elemento visto en pantalla, goza de un nivel de detalle único y pocas veces visto en grandes producciones. Desde los vestidos que utiliza Jessica Chastain hasta la misma casa, auténtica protagonista total. Además, Del Toro demuestra una característica muy inteligente y es que deja claro que el nivel de efectos visuales para una historia de terror, es mejor dejarlo en un margen mínimo, donde los fantasmas que aparecen son actores que interpretan espectros, logrando mayor interacción con el actor.

La música juega también un papel muy importante dentro de un romance gótico, donde la tentación de ideas de toques barrocos o minimalismo podía dominar, pero Del Toro contrató los servicios del español Fernando Velázquez, con un trabajo sencillo pero acertado.

Pasando ya al tercer cuarto, el director nos ofrece una visión retorcida e incómoda para el espectador, lejos del horror fantasmal, Del Toro indaga sobre los pecados de una familia, que son de dimensiones brutales.

La película tiene el sello inconfundible de su director, lo transpira y supura plasmándolo en un retrato, aunque a veces se pierde en su historia, un guión algo deshilachado en algunos momentos. Si bien la característica del romance gótico es el choque del pasado (fantasmas) y el presente (vivos) quizás peca de inocencia excesiva en algunos personajes, y la forma que se desarrolla el último cuarto del film me deja un poco descolocado.

Un film, en resumen, que despliega mucha parafernalia y efectismo, pero que narrando una interesante historia, a veces le faltan detalles para concretar una obra para el recuerdo.

Os dejo con el tráiler.

Black Mass (2015)

Cartel del film

Black Mass, estrictamente criminal, es la tercera película de Scott Cooper, que entre sus habilidades está la de reunir un elenco de actores de alto copete, ya que en tres films su currículum es insuperable. Pero si nos referimos al film en concreto, el resultado es estrictamente correcto, y teniendo una gran historia para contar parece como que se le podía haber sacado más partido y te deja un regusto a que le falta algo. Una historia de gangsters de Boston, que se desarrolla en las décadas de los 70 y 80, incluso llegando a los 90, basada en hechos reales. Este film, me deja la impresión de que en manos de un Scorsese o un Coppola sería obra maestra indudable.

Ambientada en la muy cinematográfica Boston, aquella ciudad tenía un rey del crimen que era el temible James "Whitley" Bulger, al que da vida Johnny Depp. Hablamos de un tipo que a día de hoy cumple condena por varios asesinatos, un capo que sembró el terror no sólo entre clanes mafiosos vecinos, sino incluso entre los suyos. Una interpretación de esas que marcan, aunque bajo mi punto de vista la caracterización me parece excesiva, demasiado maquillaje en su personaje, pero eso no quita para que su interpretación sea escalofriante, y merezca mínimo estar nominado a la estatuilla recuperando brío su carrera, que últimamente daba más tumbos que alegrías.

Black Mass adolece de varios fallos, a parte de que la comparativa inmediata con los clásicos del género, hace que quede minimizada. La historia real, es una base de guión espléndida, pero los excesivos primeros planos, la falta de ritmo (en esto Scorsese es un maestro) y la sensación de que se desaprovecha a un reparto excelente, deja ese poso de algo fallido. Joel Edgerton en el papel de John Connolly da la talla con matices y Benedict Cumberbatch que hace de Billy, el senador de Boston hermano de James, aparece en contadas ocasiones en una breve pero acertada actuación pero que podría dar más. Incluso el guión adolece de intentar abarcar demasiado y nunca alcance verdadera intensidad.

Pero Depp, en esta soberbia interpretación, asombra no sólo en estático, por lo siniestra que es la combinación del maquillaje con sus gestos, sino por el lado humano por todo lo que le sucede con su hijo y su madre, su faceta más maquiavélica perpetrando planes de futuro y la manera de llevar los negocios ilegales, además de seguir creciendo al otro lado de la ley, y como no, esa furia psicológica y física, que te hace sentir verdadero pasmo ante lo que va a hacer o lo que acaba de hacer (matar a sangre fría en la mayoría de los casos). 

Los actores que rodean al protagonista, a parte de los dos citados, están a gran nivel, un intermitente en minutaje Kevin Bacon está brillante, Dakota Johnson aparece en la primera parte del film y desaparece a partir de una fuerte discusión, Jesse Plemons tiene reminiscencias de personajes de películas como Uno de los nuestros, pero no acaba de cuajar, demasiado encorsetado en un guión vacío.

En definitiva, un film que da escalofríos y a la vez deja una sensación de irregularidad provocado por la la falta de una narrativa potente.

Os dejo con el tráiler.

Ayer se nos fue Maureen O'Hara.

El cine clásico va perdiendo a los pocos actores que le quedan vivos. Ayer fue el turno de la mítica Maureen O'Hara, actriz nacida en Dublín, Irlanda, el 17 de agosto de 1920.

En su juventud fue cantante de ópera irlandesa y al finalizar sus estudios le fue ofrecido el cargo de cantante de ópera principal en el Abbey Theater, pero ella decidió ir a Londres a intentar una carrera como actriz, su verdadera vocación, asistiendo a un casting para una productora de cine inglesa, que fue decepcionante ya que la producción no se llevó a cabo. Pero ese casting cautivó a Charles Laughton (impresionado con los ojos de la O'Hara) quien la llamó y la convenció de que ese era su futuro.

Su primer film fue Jamaica Inn (La posada de Jamaica) dirigida por un incipiente Alfred Hitchcock en 1939. A partir de ahí títulos, entre otros, como El cisne negro (1942), Río Grande (1950) o El hombre tranquilo (1952) ambas con John Ford, La pelirroja de Wyoming (1953), Lady Godiva (1955) Tu a Boston y yo a California (1961) o El gran Jack (1971) donde paró su producción. Sólo una aparición más en 1991 dejó huella en Yo, tu y mamá.

Guerrera e indómita siempre tuvo su cruz en el poco reconocimiento de la Academia de Hollywood, que en este 2015 la recompensó con un Óscar honorífico por toda su carrera que recibió de manos de Liam Neeson y Clint Eastwood, a lo que ella espetó "Espero que sea de plata o de oro y no algo sacado de la cocina".

En su memoria os dejo con una mítica escena de la película Un hombre tranquilo de John Ford, donde comparte papel protagonista con John Wayne. Inolvidable para siempre esa mítica frase que dice:

"Entre nosotros no habrá puertas ni cerrojos, Mary Kate. Excepto los que tu pongas en tu mezquino corazón".

The Martian (2015)

Cartel del film

Muchas han sido las decepciones recientes que he tenido con Ridley Scott en los últimos tiempos, pero con esta nueva película he de decir que ha recuperado mucho del prestigio perdido. Este es un gran film del director americano, a la altura de sus mejores trabajos, sin ningún lugar a la duda.

Todo parte de una aclamada novela de Andy Weir, que empezó publicando de forma gratuita en su web antes de empezar a venderlo en Amazon, titulada "El Marciano". El éxito no tardó en llegar y muchos aficionados a la lectura lo tendrán como referencia para leer, si no lo han hecho ya. Drew Goddard ha hecho el guión adaptado de la novela, inspirado a rabiar.

Tripulación de la nave Hermes

Tenemos recientes en la mente tanto Gravity como Interstellar, como películas con una temática parecida, pero aquí tenemos ante nosotros una película optimista, una cinta que te abraza y en la que te emocionas por como está presentada la historia a través de sus personajes, y sobre todo la del protagonista principal, Matt Damon que da vida a Mark Watney, en una estupenda interpretación que consigue que te impliques de manera incondicional con su peripecia, y que lo vivas todo como si fueras él mismo.

Por si fuera poco, visualmente es una película excelsa, rodada con precisión por el equipo de Scott, presentando imágenes bellísimas de una historia de supervivencia, en un hostil entorno del cuarto planeta del Sistema Solar.

La historia nos cuenta, que durante una misión tripulada a Marte (de la que no se dan fechas en todo el metraje, pero supondremos que esto pasaría dentro de 20 ó 30 años aproximadamente), el astronauta Mark Watney es dado por muerto tras una horrible tormenta, por un golpe sufrido por una antena, y es abandonado por la tripulación que pone rumbo de vuelta a la tierra, no sin dificultades. Pero Watney sobrevive y está atrapado y sólo en el planeta rojo. Es a partir de ahí donde su ingenio, su preparación y su instinto de supervivencia le harán encontrar la forma de ponerse en comunicación con la Tierra y dejar claro que sigue vivo.

La vitalidad que desprende el film, da pie a que dentro de su apuesta por la ciencia-ficción, se consiga un excelente equilibrio entre drama y comedia, para que así la aventura espacial se convierta en el viaje emocional tan cercano que es. Fuera aparte de los conceptos técnicos, el film está hecho desde la sencillez y procurando siempre que el sentido del humor prevalezca, incluso cuando el suspense y la acción pasan a un primer plano, lo que hace que se te erice el bello. Por otro lado, el director hace algo muy bueno, y es no recalcar demasiado su presencia, dejando rienda suelta al guión, que el ritmo sea ágil, y que las transiciones sean fluídas entre los personajes, siendo detallista sin obsesionar y dejando que la potencia visual esté intacta, con influencias claras de 2001 Odisea en el espacio, como le pasa a casi todas las buenas películas de este estilo.

En el plano actoral el reparto es espléndido, y todos están muy bien, aunque si que es cierto que no hay profundidad en muchos de los personajes, pero en este caso no es demasiado importante, ya que la historia principal es la de Matt Damon. Jessica Chastain como la comandante del Hermes, la nave de la misión, Jeff Daniels como el Director de la Nasa, Sean Bean como jefe de la misión, o incluso el director técnico de la Nasa Chitewel Ejiofor, cumplen perfectamente su papel. Sólo el populismo americano y la parafernalia que se monta alrededor del rescate del astronauta me sobran un pelín, pero es la única pequeña pega.

En resumen Marte es una excelente película y que tiene mucho corazón abordando un relato de supervivencia desde un lado optimista y luminoso, siendo el resultado brillante. No dejéis de ir a verla.

Os dejo con el tráiler.

Irrational Man (2015)

Cartel del film

Siempre, o casi siempre que veo un nuevo film de Woody Allen no me suele decepcionar. Se ha convertido casi en tradición por estas fechas ir a ver su estreno anual, imprescindible para cualquier cinéfilo de pro. Pero claro, esta regularidad no lleva aparejada que todas sus películas tengan el mismo nivel, unas están más inspiradas que otras, pero desde luego cuesta encontrar un film que no tenga calidad o sea una pérdida de tiempo, de eso no hay duda.

Irrational Man es una buena película, no su mejor film, pero disfrutable. Esta cinta, por otro lado, está dentro del apartado de films que Woody dirige, pero no protagoniza.

Joaquin Phoenix

Esta historia trata de Abe Lucas (Joaquin Phoenix), un profesor de filosofía que se encuentra en plena crisis existencial. Es contratado en una universidad de una pequeña ciudad en verano, y allí se enamorará de dos mujeres, Rita Richards (Parker Posey), solitaria profesora que busca un rescate a su infeliz matrimonio, y Jill Pollard (Emma Stone) su mejor estudiante y próxima amiga y amante, pero encontrará sentido a su vida cuando después de oír una conversación en un restaurante junto a Jill, tenga claro un objetivo a realizar.

Jill está enamorada de su novio Roy, pero la personalidad atormentada de Abe la seduce, incluso cuando el profesor da muestras de desequilibrio mental, aún así su fascinación por él crece sin parar.

Joaquin Phoenix & Emma Stone

Es evidente que el romance entre los personajes de Abe y Jill transmite mucho por el trabajo de los actores que están excelentes y tienen una gran química, aunque aquí Allen no aporte un fondo que realmente te atrape. Hay diálogos inspirados claro está, y con toques cómicos que nunca faltan, pero la resistencia del primero a la evidente tentación que representa su alumna encaja para definir su vacío existencial, algo muy evidente ya que ella tiene novio y sale dañado, dando la impresión de alargar algo inevitable. Pero el personaje de ella tira demasiado del de él, es excesivamente dependiente.

En otro orden de cosas, es un delito lo que cambia el rumbo de Abe y le devuelve las ganas de vivir, y pasa de ser alguien completamente perdido en la vida, a una persona con una vitalidad envidiable, cosa reflejada tremendamente en las relaciones sexuales, por ejemplo.

Phoenix está perfecto, la Stone brutal y los secundarios arropan con mucha enjundia como Parker Posey, haciendo de profesora ligera de cascos.

El pero del film, para mi, es que la segunda parte se me parece mucho al final de Match Point, donde un detalle de suerte hace que el final sea uno u otro, a parte de más conexiones de guión, y de las reflexiones morales y cargos de conciencia.

La banda sonora, con mucho acento jazz como siempre, es muy buena.

Os dejo con el tráiler de esta buena película.

Tercer Aniversario de My Kingdom for a film.

Hace ya 3 años, tal día como hoy, inauguré este blog en el que hablo sobre cine, películas, cortos, series, escenas míticas, escenas cómicas, estrenos de cine, noticias, etc...

Es cierto que cuando inicié esta aventura, con expectativas muy modestas, la cosa era complicada, pero con el paso del tiempo, el trabajo, los posts realizados y demás, la respuesta es bastante sentida.

Quiero dar las gracias a todos, a blogeros que son seguidores, comentaristas y lectores, a los no blogeros que también comentan y leen, a los blogeros que sólo leen, a los que sin ser blogeros se hicieron seguidores, a los que no son ni blogeros ni seguidores, pero se pasan a leer o comentar, a aquellos que sólo leen aunque no digan nada, e incluso a aquellos que sólo se pasan a criticar.

En la blogosfera tengo amigos imborrables, con los que comparto mil historias, y que son para toda la vida (así lo creo), con los que tengo una empatía increíble que se demuestra cada vez que hablamos o nos vemos, a todos os quiero.

Chicas de Ellen Von Umberth

Este último año y por circunstancias personales familiares tampoco ha sido fácil, aunque vamos saliendo del bache, y sobre todo gracias a reencuentros que me han dado la vida sigo con fuerzas múltiples, además de mantener mi viejo blog de música, por lo que sigo vivo, que no es poco.

Hay gente ya de celebraciones (como se puede ver en la foto de abajo) y creo que lo merece, 3 años de blog de cine lo merecen.

Aún recuerdo el primer post hablando de la película Drive, que me impulsó de manera definitiva a hablar de cine a día de hoy, una de tantas películas que me dejó huella.

Datos: 31800 visitas, 394 entradas, un trabajo duro del que estoy bastante contento.

A vosotros va dedicado éste tercer aniversario.

Gente de celebración

Como celebración os dejo con una escena que me encanta de la película Una noche en la ópera de 1935, cachondísima escena de los Hermanos Marx. 

Descacharrante el momento mientras desayunan y Harpo la lía parda a lo que suelta Groucho: "Y pensar que la primera vez que lo vi parecía un ser humano... es un chimpancé".

The Secret Life of Walter Mitty (2013)

Cartel del film

En el año 2013 Ben Stiller, al que todos conocemos como famoso actor de comedia y que tendrá sus admiradores y también sus detractores, dirigió la que era ya su quinta película, La vida secreta de Walter Mitty, remake del mismo título de 1947 dirigida por Norman Z. McLeod e inspirada en un relato de James Thurber, cinta que se convirtió en icono cultural y sirve para definir a esas personas que pasan más rato en su mundo interior que en la realidad.

Está claro que a todos nos gusta soñar despiertos, imaginar que salvamos el día, que vivimos otras vidas más emocionantes que la propia diaria, que somos héroes (por un día, como decía aquel temazo de David Bowie) y todo el mundo nos recordará por ello. Son esos momentos, minutos o incluso segundos, en los que dejamos correr nuestra imaginación. Luego volvemos a nuestras vidas rutinarias sin que nada pase, pero en algún momento de nuestras vidas hay un giro de 360º y vivimos nuestra propia aventura. Ese es el mensaje, que para mi transmite esta encantadora cinta, que me parece muy positivo.

Pero ante todo, estamos ante un film muy potente visualmente, que no escatima en medios a la hora de intentar atraparnos en el juego entre realidad y ficción, que está bien medido, y que al inicio, domina el relato en sus primeros 45 minutos aproximadamente. Stiller incide mucho en la belleza de las imágenes, y desde luego hay que aplaudir con las orejas al director de fotografía y su excelente trabajo. Pero además, insiste en todo el film en ese canto a los soñadores empedernidos, que sueñan con que en un futuro su vida dará un giro inesperado y vivirán la aventura que siempre han estado esperando, y a fe que en la película eso queda bien reflejado y visualmente escenificado.

Ben Stiller & Kristen Wiig

La vida secreta de Walter Mitty cuenta la historia de Walter, un empleado de la sección de negativos de la revista LIFE. Su vida pasa con más pena que gloria día a día y sólo sus momentos de ensoñaciones, o como dice su hermana "idas de olla" hacen que su vida cambie. El asunto, es que esos sueños siempre tienen como protagonista a su nueva compañera de trabajo Cheryl (Kristen Wiig), y es por ella y por darle un cambio a su vida, que se embarcará en varios de los viajes más emocionantes que haya tenido y por sitios increíbles, en busca de un último negativo que le envió el fotógrafo Sean O'Connell (Sean Penn) para ser la última portada de la revista, antes de su paso a formato online.

Es el amor lo que hace que Walter decida emprender la mayor aventura de su vida, y es ese sentimiento el que hace que cuando parece que se va a echar atrás, siga adelante y rompa con su monotonía. Pero cuidado, ese amor también tiene algo de dolor (¡como no!), pero sin duda es un canto a que el amor es el motor de la vida de las personas, y no sólo el amor hacia otra persona, sino el amor por uno mismo, su trabajo, su familia y su día a día.

Es por eso que Ben Stiller consigue que su personaje sea entrañable, y lo consigue a base de humildad, así de sencillo. Su interpretación no quiere dejarte con la boca abierta, es sencilla y directa, ya que sabe lo que tiene entre manos y en ningún momento está forzado. La evolución de su personaje se debe a la historia, no fuerza el cambio, deja que llegue y fluya.

El resto del reparto arropa bien al protagonista, ya que Kristen Wiig cumple en su papel de lanzadora e inspiradora y colaboradora necesaria para que Walter consiga lo que está llamado a hacer, hay química entre ellos y por ello te crees su relación. Sean Penn es el otro gran peso pesado del film, pero no aparece hasta casi el final, y su personaje cumple a la perfección, son tres o cuatro minutos de temple y es la clave para entender toda la historia. En un papel más pequeño, Shirley MacLaine hace de Edna, la madre de Walter, fiel escudera de los descuidos de su hijo.

Por otro lado, y no me quiero olvidar de ello, una magnífica banda sonora da soporte a la cinta y la engalana, llena de piezas extraordinarias de Arcade Fire o el mismo Bowie reversionado por la propia Kristen Wiig en ese mítico Space Oddity.

Sean Penn

En definitiva una película fantástica, divertida y muy romántica, un canto a todas esas personas que sueñan con que su vida en un futuro cambiará y conseguirá realizar la aventura que todos estamos llamados a realizar.

Dedicada a ella ("las cosas más bonitas no tienen porque llamar la atención").

Os dejo con el tráiler del film.

Regresión (2015)

Cartel del film

Alejandro Amenabar me parece un gran director, soy fan de sus primeras películas (sobre todo de Tésis y Abre los ojos, aunque también de Mar Adentro), pero mi interés por su obra posterior ha ido decayendo, ya Ágora fue un punto de inflexión en su momento, y parecía que con este nuevo trabajo remontaría el vuelo, pero desgraciadamente no es así. Ya se empezaron a albergar dudas de su calidad en el festival de San Sebastián, donde no tuvo buen acogida, pero mi visionado de ayer fue absolutamente decepcionante, ya que se trata de una película anodina, con mucha falta de ritmo, a parte de rutinaria y cansina.

El problema principal para mi, es que la temática es demasiado convencional y no atrae, a pesar de estar basado en hechos reales. Y claro, esperas que Amenabar en su guión saque conejos de la chistera y te sorprenda con una puesta en escena poderosa, ya fuera por su pericia y técnica o también en el plano visual, pero no, no hay nada de eso y te deja la impresión de una película insulsa, que tiene muy poca alma y que teja bastante frío, además de esa sensación (que hasta ahora no había tenido en sus películas) como de que no se ha complicado mucho la existencia para hacer el film. 

Los hechos se desarrollan en 1990 en Minnesota, donde el detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso de la joven Ángela (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gracy (David Dencik) de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar muy bien los sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorporará al caso para ayudar a la investigación, además de revivir sus recuerdos reprimidos. Los hallazgos descubren siniestras conspiraciones.

El film adolece de falta de personalidad, aunque cuidado, está perfectamente dirigida, tiene una fotografía tremenda pero le falta alma y con una falta de trascendencia brutal reultando todo muy gris, desde la investigación hasta su peculiar acercamiento al terror. Es decir ni te acabas de meter en la historia porque te atraiga, ni te dan miedo escenas que supuestamente deberían dártelo. Como remate, el guión es monótono y la presentación de los personajes es floja, a pesar de los intentos de buena voluntad en las interpretaciones actorales, que no lucen como deberían, y que acaban sumidas en el tono general de mediocridad del film. Da bastante pena el desperdicio de un actorazo como Ethan Hawke, que deambula toda la película como pollo sin cabeza sin expresar nada, y cuando comparte con Watson, muy distante y sin inspiración la cosa no mejora.

Se trata de un desilusionante film, donde Amenabar cada vez tiene menos fuerza y garra, cosa que por desgracia transmite a los actores y el resultado está totalmente afectado, lo que provoca que salgas de la sala con una sensación de que no te ha aportado nada el visionado.

Os dejo con el tráiler.

Un franco, 14 pesetas (2006)

Cartel del film

En el año 2006, el actor Carlos Iglesias (conocido por series y programas de televisión de carácter cómico) dirige y protagoniza su primera película. Pero claro, hablamos de un artista que estaba encasillado por un sector del público, y sólo conocían una faceta suya, pero es ahí donde sorprendió a todo el mundo con un as que tenía en la manga, un cambio de rumbo que le reportó muchos elogios. La circunstancia tenía paralelismos con la de José Corbacho que pasó de Homozapping a codirigir Tapas, gran película.

En la España de 1960 muchos españoles se ven obligados a emigrar a países de Europa, por la triste situación que vive nuestro país. Marcos (Javier Gutiérrez) y Martín (Carlos Iglesias) son dos amigos que emprenden la aventura y lo hacen a Suiza para trabajar de mecánicos en una fábrica, y poder enviar lo ganado a sus familias, cosa imposible de realizar en un triste país sumido en el oscurantismo de la dictadura. La situación hará que hasta sus propias familias terminen viajando también y se establezcan allí, con lo que la vida de "solteros" y algo despendolados que llevaban, se les acaba. Así pasarán los años, y parte de sus vidas, que transcurrieron en ese país.

Carlos Iglesias preparó con cuidado y esmero, creo que seis años, un elaborado guión basado en su propia experiencia, ya que prácticamente todo, o casi todo es autobiográfico y él interpreta el papel de su padre en la vida real, y el que hace de su hijo Pablo (Iván Martín) era él mismo de pequeño. Incluso consiguieron alquilar la casa donde vivió de pequeño el protagonista, para rodar allí. 

A parte de todo eso, el director demuestra buena mano, firme y segura a la hora de contar la historia, narrándola con total claridad. Es un relato lleno de emociones, emociones bien dosificadas, y haciendo algo para mi fundamental, y es que los personajes sean creíbles. 

En el plano actoral, Carlos Iglesias está espléndido, Javier Gutiérrez aunque algo a la sombra de su compañero resalta bien, y en cuanto a las mujeres, Nieve de Medina interpreta a Pilar, la mujer de Martín, con mucho carácter, y que a pesar de sus errores no deja que la vida le venza. Pero la gran y positiva sorpresa fue Isabel Blanco en su papel de Hanna, la dueña del hostal suizo y que será muy importante en su vida allí, una interesantísima actriz que está de 10, guapa, y que enamora al espectador, a pesar de que se personaje tiene corta evolución.

Genial como no, esa manera de decirnos que allí se piensa y se vive de otra manera, y muy diferente a la de aquí, cosa que queda muy clarita en toda la película.

Una magnífica película con la que ríes, lloras, con momentos únicos e inolvidables. Se nota el amor de Carlos Iglesias por ese lugar y sus gentes, y su forma de ver la vida.

Os dejo con este gran film.

El Desconocido (2015)

Cartel del film

Ayer pude asistir a ver El desconocido, ópera prima de Dani de la Torre, quien demuestra habilidades de gran nivel en su estreno. Vaca films que ya dió en el clavo con Celda 211, consigue hacerlo aquí otra vez. Luis Tosar vuelve a encabezar un reparto de grandes actores españoles de una película que me da la impresión, dará mucho que hablar en los próximos tiempos, por su impecable factura de thriller de acción, con mucha tensión y drama, y por el descubrimiento de un director que da auténticas lecciones de cómo manejar la cámara.

Luis Tosar

El film está rodado íntegramente en La Coruña, que luce como una ciudad americana y narra la historia creada por Aberto Marini, donde asistimos a una angustiosa aventura que sufre Carlos (Luis Tosar), un hombre inteligente y ambicioso, dos cualidades que le han llevado a ocupar el cargo de director de una sucursal bancaria, donde trabaja hace años.

Una mañana va con sus hijos en el coche para llevarlos al colegio camino del trabajo, y en el trayecto recibe una llamada de un desconocido con voz en off y mucha sed de venganza, advirtiéndole que si uno de los tres se levanta del asiento, el coche explotará. Es entonces cuando comienza una pesadilla de proporciones descomunales, que se va agigantando.

Javier Gutiérrez

A Carlos, su pasado de no temblarle el pulso ante nada ni nadie para colocar activos tóxicos o aplicar cláusulas abusivas a clientes, y comisiones hasta a un miembro de su propia familia, le va a pasar factura de una manera cruel y le pone contra la espada y la pared. Así, mientras se ve obligado a permanecer conduciendo sin rumbo fijo, ya que los asientos delanteros tienen sendas bombas instaladas, y si alguno de los tres se levanta explotarán, crecerá su presión. El chantaje consiste en que debe ingresarle a su secuestrador una elevada cantidad de dinero que posee los fondos de su sucursal y el total de las cuentas bancarias de Carlos y su mujer Marta (Goya Toledo).

Elvira Mínguez

Por otro lado tenemos a los policías Espinosa (Fernando Cayo) de métodos expeditivos, y la jefa de los artificieros Belén (Elvira Mínguez) que dirigen el dispositivo policial para intentar salvar la situación, con continuas discusiones sobre como llevar la difícil encrucijada.

Me parece especialmente acertado por parte del director como está rodado el film, los primeros planos de los actores, en concreto de los jefes policiales sin ser agobiantes te mete en la presión que tienen ante la situación creada. Por otro lado el plano-secuancia por el paseo marítimo, es de una factura que nada tiene que envidiar al cine americano.

En el reparto actoral, Luis Tosar está otra vez excelso, en un papel difícil de interpretar, y retratado a la perfección por el director. Elvira Mínguez tremenda, cuyos silencios dicen más que cuando habla. Fernando Cayo muy bien en su papel algo caciquil, y los dos niños que interpretan a los hijos de Carlos, sobre todo Paula del Río que hace de Sara, la hija mayor y Marco Sanz, interpretando a Marcos, el hijo menor está también perfecto.

Sólo me queda la pega del final, resuelto de una forma que no me acaba de agradar.

Y como moraleja grande del film, ese gran fraude y gran mentira de los bancos, en este caso, que obligan a sus empleados a mentir y hacer perder dinero a sus clientes con las consecuencias posteriores que ello genera.

Elvira Mínguez y Fernando Cayo

Os dejo con el tráiler de este gran film.